Los numerosos padres del cinematógrafo

Kinetograma y Kinetoscopio

Descrita y patentada por primera vez por Thomas Edison y desarrollada por su empleado William Dickson, la primera versión de la cámara cinematográfica, el kinetograma, se inventó alrededor de 1890. Casi al mismo tiempo, también se desarrolló el kinetoscopio, una máquina para proyectar y ver estos rollos de película. Sin embargo, estos eran dispositivos eléctricos (por lo tanto, no portátiles) y también muy grandes y difíciles de manejar. El kinetoscopio solo proyectaba un carrete de imagen dentro de la máquina y solo un espectador podía ver la proyección a través de una mirilla.

La María Negra

The Black María fue el estudio de producción cinematográfica de Thomas Edison en West Orange, Nueva Jersey. Es ampliamente conocido como "el primer estudio cinematográfico de Estados Unidos".

Kinetófono/Fonocinetoscopio

El kinetófono (también conocido como fonokinetatoscopio) fue uno de los primeros intentos de Edison y Dickson de crear un sistema de cine sonoro. Los informes sugieren que en julio de 1893, un kinetoscopio acompañado de un fonógrafo cilíndrico había sido presentado en la Feria Mundial de Chicago. La primera película conocida hecha como prueba del Kinetophone se rodó en el estudio de Edison en Nueva Jersey a finales de 1894 o principios de 1895, que ahora se conoce como The Dickson Experimental Sound Film; esta película, junto con ocho películas realizadas entre 1912 y 1913, son las únicas películas supervivientes con sonido grabado en vivo hechas para el Kinetophone.

Cinematógrafo

Un cinematógrafo es una cámara de cine que, en combinación con diferentes partes, también sirve como proyector de cine e impresora. Fue desarrollado en la década de 1890 en Lyon por Auguste y Louis Lumière

El cinematógrafo fue inventado para ser una mejora del kinetoscopio de Edison, también a mediados de la década de 1890. Su invención se atribuye alternativamente a los hermanos Lumière (que lo utilizaron con gran éxito) o a otro inventor francés unos años antes, Leon Bouly. El cinematógrafo creaba una proyección sobre una superficie, por lo que fue el primer proyector que pudo ser visto por un público colectivo. Además, no funcionaba con electricidad como el kinetoscopio, sino con una manivela, lo que lo hacía portátil y más pequeño.

Los hermanos Lumier

Los hermanos Lumière son acreditados como los primeros cineastas. Su primera película fue "Trabajadores saliendo de la fábrica Lumière" en 1894, proyectada públicamente en 1895:

El 19 de marzo de 1895, hace 119 años, August y Louis Lumière hicieron la grabación inaugural con su cinematógrafo recién patentado, una cámara de dieciséis libras hecha para competir con el naciente kinetoscopio de Edison. El cinematógrafo funcionaba con una manivela, y mejoraba al kinetoscopio en que incorporaba un proyector, lo que permitía a un gran público disfrutar de sus espectáculos. (La máquina de Edison sólo tenía una mirilla; tal vez pensó que las imágenes en movimiento atraerían exclusivamente a los voyeurs. Y tal vez lo hagan). El carrete de película perforado en un cinematógrafo era más fácil de mantener en su lugar, lo que significaba que producía imágenes más nítidas y estables que las que se habían visto nunca.

Explicación de la proyección cinematográfica

Primeros ejemplos de películas abstractas

Viking Eggeling

Huevo vikingo

Viking Eggeling (7m28s, c1923)

Nacido en Suecia en el seno de una familia de origen alemán, Viking Eggeling emigró a Alemania a los 17 años, donde se convirtió en contable y estudió historia del arte y pintura. De 1911 a 1915 vivió en París, y luego se trasladó a Suiza al estallar la Primera Guerra Mundial. En Zúrich se asoció con el movimiento dadaísta, se hizo amigo de Hans Richter, Jean Arp, Tristan Tzara y Marcel Janco. Con el final de la Gran Guerra se trasladó a Alemania con Richter, donde ambos exploraron la representación del movimiento, primero en dibujos de pergaminos y luego en películas.

En 1922 Eggeling compró una cámara cinematográfica y, trabajando sin Richter, trató de crear un nuevo tipo de cine. Axel Olson, un joven pintor sueco, escribió a sus padres en 1922 que Eggeling estaba trabajando para "desarrollar un estilo de cine musical-cubista, completamente divorciado del estilo naturalista". En 1923 mostró una película de 10 minutos, ahora perdida, basada en un pergamino anterior titulada Orquesta horizontal-vertical. En el verano de 1923 comenzó a trabajar en la Sinfonía Diagonale. Los recortes de papel y luego las figuras de papel de aluminio se fotografiaron fotograma a fotograma. Terminada en 1924, la película se proyectó por primera vez (en privado) el 5 de noviembre. El 3 de mayo de 1925 se presentó al público en Alemania; dieciséis días después, Eggeling murió en Berlín. (Louise O'Konor, Viking Eggeling 1880-1925)

"Mientras trabajaba en la Sinfonía Diagonale, Eggeling estaba desarrollando una teoría basada en sus experimentos cinematográficos y sus estudios de la forma y el color. Llamó a su teoría Eidodynamik [dinámica visual]. Poco se sabe al respecto, pero el principio fundamental era la proyección de luces de colores contra el cielo para soportar los elementos de la forma". (Jennifer Valcke, Películas estáticas e imágenes en movimiento: montaje en fotografía y cine de vanguardia, p172)

Hans Richter

Relaciones de forma y tiempo entre elementos visuales.

"Rhythmus 21", 1921

"Filmstudie", 1925

Richter creía que el deber del artista era ser político activamente, oponerse a la guerra y apoyar la revolución. Sus primeras obras abstractas las realizó en 1917. Richter fue cofundador, en 1919, de la Asociación de Artistas Revolucionarios ("Artistes Radicaux") en Zürich. A lo largo de su carrera, afirmó que su película de 1921, Rhythmus 21, fue la primera película abstracta jamás creada. Esta afirmación no es cierta: fue precedido por los futuristas italianos Bruno Corra y Arnaldo Ginna entre 1911 y 1912 (como informan en el Manifiesto futurista del cine, así como por su colega artista alemán Walter Ruttmann, que produjo Lichtspiel Opus 1 en 1920. Sin embargo, la película Rhythmus 21 de Richter se considera una importante película abstracta temprana. Richter escribió sobre su propia actitud hacia el cine: "Concibo el cine como una forma de arte moderno particularmente interesante para el sentido de la vista. La pintura tiene sus propios problemas peculiares y específicos. sensaciones, y también la película, pero también hay problemas en los que la línea divisoria se borra, o donde ambas se infringen. Más especialmente, el cine puede cumplir ciertas promesas hechas por las artes antiguas, en cuya realización. La pintura y el cine se vuelven vecinos cercanos y trabajan juntos".

Walter Ruttmann

Lichtspiel: Opus I (1921)

Lichtspiel: Opus IV (1925)

"El estilo visual de Ruttmann se considera más juguetón e impresionista que el de Eggeling y Richter y produce una sensación pictórica general tanto en la técnica como en el uso de la pantalla, el color y el movimiento. De hecho, sus métodos técnicos también eran pictóricos y habrían tenido una influencia definitiva en las imágenes resultantes. Sus películas Opus han sido descritas como pinturas que se mueven en el tiempo. Mientras que Richter y Eggeling se centraron en las figuras, las formas y las relaciones temporales entre los elementos visuales, Ruttmann se centró en una estética visual más expresiva para sus imágenes. Explotó "el movimiento y el color para crear coreografías, donde las entradas y salidas, las colisiones y las trayectorias complementarias establecen un escenario o desarrollo lineal y acumulativo en el que aparecen nuevas configuraciones, colores y formas hasta los últimos momentos de la película". (Jennifer Valcke, Películas estáticas e imágenes en movimiento: montaje en fotografía y cine de vanguardia, p173)

"Estoy enamorado de la musa parpadeante, y comparto el destino de muchos hombres enamorados: la amo no como es, sino como me gustaría que fuera. Porque creo en el arte en el cine. Pero dudo que hasta ahora se haya hecho una obra de arte cinematográfico. No se puede curar a un enfermo pintando sus mejillas con colores frescos. Y no se puede convertir una película en una obra de arte aumentándola y exaltándola con "calidad". Puedes reunir a los mejores mimos del mundo, puedes dejarlos actuar en el paraíso más exquisito, puedes adornar los programas de tus dramas cinematográficos con los nombres de los poetas más eminentes: el arte nunca resultará de esa manera. Una obra de arte sólo resultará si nace de las posibilidades y exigencias de su material."

Moholy Nagy

"Lightplay: Black-White-Gray", 1930

László Moholy-Nagy, nacido como László Weisz; 20 de julio de 1895 - 24 de noviembre de 1946) fue un pintor y fotógrafo húngaro, así como profesor en la escuela Bauhaus. Fue muy influenciado por el constructivismo y un firme defensor de la integración de la tecnología y la industria en las artes.

 Pioneros de la animación gráfica

Este apartado revisa los temas clave e ideas importantes en la historia temprana de la animación gráfica, desde sus precursores hasta los pioneros de la animación por computadora.

Precursores de la animación:

Persistencia de la visión: Este fenómeno, la capacidad del ojo humano para retener una imagen durante una fracción de segundo después de que desaparece, es la base de la animación.

Invenciones ópticas tempranas: Dispositivos como la linterna mágica, el thaumatrope, el phenakistoscope y el zoetrope utilizaron la persistencia de la visión para crear la ilusión de movimiento con imágenes secuenciales.

Precursores de la animación:

Eadweard Muybridge: Sus estudios fotográficos de movimiento, particularmente de animales en movimiento, fueron fundamentales para comprender la locomoción y sentaron las bases para las imágenes en movimiento.

Los hermanos Lumière: Inventaron el cinématographe, la primera cámara-impresora-proyector de producción masiva, que marcó el comienzo del cine moderno.

Animación experimental:

Pioneros del "cine puro": Artistas como Viking Eggeling, Fernand Léger y Hans Richter vieron en el cine un medio para la expresión artística abstracta, explorando el movimiento, el ritmo y la yuxtaposición de formas geométricas. Sus obras a menudo buscaban una "música visual".

Técnicas innovadoras: Alexander Alexeieff y Claire Parker: Inventaron el pinscreen, una técnica de animación que crea imágenes texturales únicas manipulando miles de pines.

Len Lye: Pionero en la animación directa sobre película, pintando y rayando directamente sobre el celuloide, creando animaciones abstractas y rítmicas a menudo sincronizadas con música.

Norman McLaren: También experimentó con la animación directa sobre película, creando películas abstractas con colores vibrantes y texturas ricas.

Lotte Reiniger: Conocida por su estilo distintivo de animación de siluetas recortadas, creó algunas de las primeras películas animadas de larga duración.

Mary Ellen Bute: Exploró la relación entre la música y las imágenes en movimiento, utilizando objetos cotidianos y osciloscopios para crear patrones rítmicos y abstractos.

Oskar Fischinger: Sus experimentos con formas geométricas abstractas, colores vibrantes y música sentaron las bases para los videos musicales mucho antes de la llegada de MTV.

Harry Smith: Sus películas de collage, creadas meticulosamente durante décadas, combinaban imágenes encontradas, animación stop-motion y pintura sobre película para explorar temas complejos y a menudo surrealistas.

Robert Breer: Sus animaciones abstractas exploraron el movimiento, el tiempo y la percepción visual utilizando formas geométricas simples y técnicas de montaje rápido.

Jan Švankmajer: Conocido por su estilo surrealista oscuro y grotesco, a menudo usaba objetos cotidianos y stop-motion para crear animaciones inquietantes y memorables.

Los hermanos Quay: Maestros de la animación de marionetas, crearon mundos en miniatura intrincadamente detallados y llenos de una atmósfera inquietante y surrealista.

Frank y Caroline Mouris: Desarrollaron la técnica de la animación de collage, utilizando imágenes encontradas para crear obras llenas de humor y comentarios culturales.

Pioneros de la animación por computadora:

John Whitney: Un visionario que vio el potencial artístico de las computadoras, utilizó algoritmos y programación para crear animaciones abstractas basadas en principios musicales y matemáticos.

Stan Vanderbeek: Experimentó con computadoras, collage, animación y múltiples pantallas, buscando expandir los límites de la cinematografía y la narración.

Ken Knowlton: Desarrolló lenguajes de programación para animación rasterizada y exploró la percepción de patrones, creando imágenes complejas a partir de matrices de puntos.

Ivan Sutherland: Su programa Sketchpad fue un precursor de los programas modernos de dibujo vectorial, e inventó el primer casco de realidad virtual.

Robert Abel: Fusionó la cinematografía tradicional con gráficos generados por computadora, creando efectos especiales innovadores para películas como The Black Hole y Tron.

Los primeros pioneros de la animación gráfica sentaron las bases para este campo en constante evolución. Sus experimentos artísticos, innovaciones técnicas y la búsqueda de nuevas formas de expresión visual continúan inspirando y dando forma al mundo de la animación gráfica en la actualidad.

 Diseño de movimiento gráfico: una guía de estudio

Dispositivos ópticos que surgieron en toda Europa durante el siglo XIX demostraron la persistencia de la visión, un fenómeno que implica la capacidad de nuestro ojo para retener una imagen durante una fracción de segundo después de que desaparece. Los estudios de movimiento de animales y humanos de Eadweard Muybridge sirvieron como una ayuda para que los artistas visuales comprendieran el movimiento. Los hermanos Lumière llevaron estos experimentos más allá e inventaron el cinématographe, la primera cámara-impresora-proyector producida en masa del cine moderno.

A principios del siglo XX, los artistas se vieron influenciados por los movimientos artísticos modernos e intentaron representar el espacio en términos geométricos puros. El pintor sueco Viking Eggeling abrazó las tendencias nihilistas del movimiento dadaísta y describió su teoría de la pintura en términos de "instrumentos" y "orquestación". El clásico Ballet mécanique (1923) de Fernand Léger combinó la energía de la máquina con la elegancia del ballet clásico. Hans Richter produjo películas abstractas que exploraron la fantasía mediante el uso de efectos especiales. Durante las décadas de 1930 y 1940, Alexander Alexeieff y Claire Parker inventaron la pantalla de pines, un dispositivo que producía espectaculares efectos de textura que se asemejaban a los grabados tradicionales. Len Lye fue pionero en la técnica de animación sin cámara pintando y rayando imágenes en celuloide de 35 milímetros. Lotte Reiniger desarrolló un estilo de animación de siluetas recortadas que le valió el reconocimiento mundial. Casi seis décadas antes de MTV, los experimentos de Oskar Fischinger con el sonido y la imagen ayudaron a ser pioneros en los vídeos musicales. Norman McLaren y Mary Ellen Bute desarrollaron un enfoque único de la animación que implicaba un fuerte énfasis en la luz, la textura y el hábil movimiento de la cámara.

La década de 1960 vio el surgimiento de la animación por computadora. El equilibrio entre ciencia y estética de John Whitney ayudó a elevar la categoría del ordenador como medio artístico viable. Robert Abel fue contratado por Disney para desarrollar la secuencia de apertura de The Black Hole (1979) y posteriormente para producir los gráficos de la película Tron (1982).

¿Qué pasa con los NUEVOS medios ahora?

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